Leung è un artista cinese-britannico cresciuto in Galles e ora vive a Brooklyn. Ha eseguito musica tradizionale cinese e si è laureata in lavorazione dei metalli prima di imparare a dipingere da sola. Il suo stile originale era astratto e acquoso, suggerendo il mare che lambisce tre lati della sua terra natale d’infanzia. Ci sono barlumi di quello stile nel lavoro più recente di Leung, ma le immagini sono dominate dalle figure di ragazze, spesso legate insieme come moltitudini. Nell’opera del titolo dello spettacolo, dozzine di teste fluttuano in mezzo a una profusione di mani disincarnate e linee tratteggiate che rappresentano l’energia che scorre all’interno e tra i corpi.
Questa mostra segna il decimo anniversario del Young Girl Project, un’organizzazione anti-abuso fondata da Leung nel 2012. Un disegno realizzato dall’artista quell’anno, “Bound Girl”, mostra un bambino avvolto quasi interamente in una corda. Quella figura prigioniera riappare in opere successive, ma sempre accompagnata – in un’immaginaria dimostrazione di solidarietà – da altri bambini sfrenati. Nella straordinariamente ordinata “Girl Gang”, del 2020, uno stretto gruppo di teste dai capelli scuri è circondato da teste più piccole in lontananza. (Forse perché in un certo senso sono autobiografiche, le ragazze in queste immagini appaiono sempre asiatiche, ma una gamma più ampia di etnie, oltre a un ragazzo, appare nei disegni di Leung sul sito web di Young Girl Project .)
Dai colori vivaci e dalla composizione più complessa, i dipinti collocano le ragazze in paesaggi irresistibili e surreali. Leung una volta ha lavorato come assistente dell’artista pop Peter Max e le sue foto hanno parte della sua franchezza e verve da fumetto. In immagini come “Quattro ragazze nel mondo dei sogni”, rese con inchiostro e tempera, le figure dai bordi netti si muovono tra forme morbide e colori acquosi. Le luminose fantasticherie di Leung sono animate da traumi, ma possono sembrare luoghi di rifugio.
Choichun Leung: The Watchful Eyes fino al 17 febbraio presso Morton Fine Art , 52 O St. NW, #302. Aperto su appuntamento.
Nel “Giudizio Universale” di Michelangelo, un affresco sulla parete dell’altare della Cappella Sistina, San Bartolomeo tiene la propria pelle scorticata. Sulla pelle cadente è dipinto un viso contorto che è generalmente considerato il pittore. L’interpretazione di Michelle Lisa Herman di questa immagine è comica, ma forse anche una sorta di autoritratto: l’artista ha trovato una bambola gonfiabile di plastica rosa sgonfia e l’ha attaccata a un aspirapolvere Roomba che inizia a pulire la Stone Tower Gallery ogni sabato e domenica alle 15:00 Una possibile interpretazione, offerta dal sito web di Herman , è che l’assemblaggio motorizzato descriva la percezione delle donne come “macchine per la pulizia e il sesso”.
Macchine, isolamento e (mis)comunicazione sono tra i temi di “Sempre, già, mai, migliore, più veloce, più forte”, ma lo è anche lo status dell’artista come donna che lavora in quello che la dichiarazione dello spettacolo chiama “il campo dominato dagli uomini della tecnologia”. La mostra multimediale include video, sculture stampate in 3D e “Let’s Talk Art”, un libro di interviste ad artisti immaginari generato tramite un programma di intelligenza artificiale che si è formato ingerendo gran parte degli Archives of American Art dello Smithsonian . Gli scambi scritti dall’IA sono divertenti, ma plausibilmente, ripetitivi e inarticolati.
Al centro della galleria c’è un video in cui un laser cutter incide la forma d’onda laser di una registrazione di “4’33” di John Cage, la composizione del 1952 composta interamente da suoni ambientali non pianificati. A differenza del lavoro casuale di Cage, Herman’s è intenzionale. Deve essere, dal momento che è prodotto da macchine, non un caso. Ma quando quel Roomba dalla carne rosa sbuffa casualmente per la stanza, è chiaro che Herman ha un gusto per la serendipità.
Michelle Lisa Herman: Sempre, già, mai, migliore, più veloce, più forte fino al 20 febbraio presso la Stone Tower Gallery , Glen Echo Park, 7300 MacArthur Blvd., Glen Echo.
Realizzate in soli quattro anni, le luminose astrazioni di Willem de Looper in “Paintings, 1968-1972” dimostrano una transizione sottile ma significativa. Le 11 immagini di Hemphill Artworks, inesposte da molti anni, passano da composizioni allover a quelle in cui i colori acquosi sono impilati orizzontalmente, sebbene ancora miscelati in modo rigoglioso.
De Looper (1932-2009) aveva 17 anni quando si trasferì a Washington dalla sua nativa Olanda. Alla fine è diventato una guardia presso la Phillips Collection , le cui partecipazioni hanno plasmato gli stili di molti coloristi DC, e si è fatto strada fino a servire come curatore del museo dal 1982 al 1987. Per tutto il suo tempo al Phillips, ha perseguito una carriera parallela come pittore.
De Looper è stato influenzato dai suoi quasi contemporanei locali, in particolare Morris Louis, oltre a artisti come Paul Klee e John Marin, che erano ben rappresentati al Phillips. De Looper ha emulato la tecnica di colorazione della tela di Louis con lavaggi diluiti dell’allora nuovo pigmento acrilico.
Eppure ci sono differenze cruciali. Louis (1912-1962) ha lavorato su tela non tesa, ha lasciato aree di tessuto bianco come parti essenziali delle sue composizioni e ha deciso le dimensioni finali delle immagini dopo aver finito di applicare il pigmento. De Looper ha dipinto all’interno di bordi predefiniti e ha riempito le tele con tonalità sovrapposte. Questi sono spesso all’interno di un intervallo ristretto, come i gialli fiammeggianti di un’immagine senza titolo del 1970 o le bande di blu oceanico in “Pinetop” del 1972. Le combinazioni di colori sono più diverse, tuttavia, in opere straordinarie come un’immagine senza titolo del 1969 in cui una nuvola di viola vivido sembra raggrupparsi sopra strati di giallo e verde. È il dipinto più simile a Louis in questa selezione, e anche un esempio di de Looper nella sua forma più potente e sicura.
Willem de Looper: Dipinti, 1968-1972 fino al 26 febbraio presso Hemphill Artworks , 434 K St. NW. Aperto su appuntamento.
Review | In the galleries: Artist’s imagery examines community-building in the aftermath of trauma