LOS ANGELES — In una fredda giornata dello scorso dicembre, seduta fuori dal suo studio a Santa Monica, in California, l’artista Suzanne Lacy ha parlato con entusiasmo del prossimo anno. A Manchester, in Inghilterra, erano già aperte mostre del suo lavoro presso la Whitworth Art Gallery e la Manchester Art Gallery . Non vedeva l’ora di ricevere una prestigiosa borsa di studio presso l’Università di Manchester in primavera.

Lacy, 76 anni, si stava anche preparando per “The Medium Is Not the Only Message”, un’indagine sulla sua arte al Queens Museum di New York, che aprirà il 13 marzo. La mostra presenta lavori realizzati dagli anni ’70 in quello che Lacy una volta definiva “arte pubblica di nuovo genere” – progetti politicamente impegnati in cui coinvolge le comunità in seminari ed eventi discorsivi e collaborativi sull’età, la violenza sessuale, la carcerazione, l’immigrazione e altre questioni che potrebbero sfociare in fotografie documentarie, video, performance, testi, registrazioni audio, sculture o, spesso, tutto quanto sopra. Istituzioni progressiste come il Queens Museum e il Whitworth stanno ora concentrando i loro programmi sul tipo di attività che ha svolto per anni, a volte come arte, a volte come attivismo, a volte come impegno della comunità.

“Soprattutto dopo il Covid, il mondo sembra essere concentrato sulla ‘cura’”, mi ha detto Lacy a febbraio quando sono tornata nel suo studio, occupato principalmente da casse di legno e casse di piani che conservano la sua arte. “Anche i musei parlano di diventare istituzioni di cura.”

Durante la nostra conversazione, mi ha fornito delle barrette di cioccolato da Trader Joe’s. Sotto il suo comportamento gentile, tuttavia, si cela una durezza che deriva da anni di lavoro in prima linea nell’attivismo politico. È nata nella San Joaquin Valley, una zona rurale della California, da genitori della classe operaia che descrive come “etici piuttosto che politici”. È a suo agio a parlare con politici o agenti di polizia come lo è con adolescenti, operai edili o anziani, ma ha l’aria schietta di qualcuno impaziente di portare a termine le cose.

Poi, il 22 febbraio, il futuro dei progetti di Lacy – anzi, il futuro di una di queste “istituzioni di cura” – è stato messo in discussione. Il Guardian ha riferito che ad Alistair Hudson, direttore del Whitworth e curatore della mostra di Lacy, era stato “chiesto di lasciare il suo incarico” in risposta a una mostra del gruppo di ricerca Forensic Architecture che Hudson aveva commissionato al Manchester International Festival e all’Università di Manchester.

Quella mostra, tenuta l’anno scorso, includeva una dichiarazione di Forensic Architecture in cui esprimeva solidarietà con la Palestina e citava la “pulizia etnica” da parte della polizia israeliana e dei coloni. Il Whitworth fa parte dell’Università di Manchester; il gruppo di difesa UK Lawyers for Israel ha criticato l’università del settore pubblico per non essere rimasta neutrale. Al momento della stesura di questo articolo, Hudson ha negato di essere stato chiesto dall’università di dimettersi, ma ha rifiutato di commentare ulteriormente la controversia in corso.

“È scandaloso per un’università ignorare così palesemente la libertà di parola”, ha detto Lacy della situazione. Rimane fermamente a sostegno di Hudson. Due associazioni di leader museali internazionali hanno firmato lettere aperte all’Università di Manchester opponendosi al tentativo di cacciare il direttore.

La mostra di Lacy al Whitworth è prevista fino al 10 aprile, ma si inserisce all’interno di un programma in corso di progetti impegnati nella comunità che lei vede come una collaborazione con Hudson. Finché Hudson rimarrà in carica, intende continuare ad adempiere ai suoi impegni a Manchester.

In Inghilterra, gli artisti si sono impegnati a boicottare il Whitworth se Hudson fosse stato rimosso. Quando le ho chiesto se avrebbe preso in considerazione anche la possibilità di unirsi al boicottaggio, ha sottolineato che questo non sarebbe stato così semplice come rifiutare di spedire un dipinto. Quasi ogni progetto di Lacy’s coinvolge una rete di collaboratori, coautori, partner istituzionali e organizzativi.

“Sto lavorando con esseri umani le cui vite sono influenzate dalle mie azioni e che hanno investimenti pari al mio investimento”, ha affermato. “Quindi qualsiasi decisione che prendessi sarebbe basata su conversazioni ponderate con i miei collaboratori”.

Per decenni, il lavoro di Lacy è stato poco conosciuto al di fuori della California, dove è stata a lungo un’influente educatrice, attualmente presso la University of Southern California dove è professore alla Roski School of Art and Design . Negli ultimi anni, tuttavia, è stata riconosciuta come una pioniera della “pratica sociale”, un genere d’arte che, secondo alcuni, è così diffuso che quasi cessa di essere una categoria significativa.

Catherine Wood, curatrice senior di arte internazionale alla Tate Modern di Londra, afferma che, a seguito dei cambiamenti sociali e politici degli ultimi anni, “stiamo arrivando a una nuova comprensione di tutta l’arte come sociale”. Crede che il termine “pratica sociale” diventerà meno rilevante, il modo in cui “video art” o “performance art” sono state assorbite dal mainstream.

“La chiamo semplicemente arte”, afferma Sally Tallant , direttrice esecutiva del Queens Museum, che ha una storia insolitamente lunga di coinvolgimento della comunità. Tallant ha voluto allestire una mostra di Lacy da quando è entrata a far parte del museo nel 2019. “Non credo che la sua influenza sia riconosciuta sulla costa orientale”, dice. “C’è una tale passione per la pratica sociale ora, ma lo fa da decenni”.

Mentre l’attivismo politico costituisce il fulcro del suo lavoro, i metodi di Lacy sono meno conflittuali e antagonisti di quanto si possa presumere per un’artista le cui radici risiedono nella performance femminista radicale degli anni ’70. (In una performance del 1973, ha inchiodato le viscere di agnello a un cavalletto.)

Lacy è un costruttore di ponti e un mediatore. Raramente mette le sue convinzioni profondamente radicate in prima linea nei suoi progetti, ma crea piuttosto spazi sicuri dove le voci degli altri possono essere levate. “Nell’attuale contesto culturale e politico, la protesta tende a essere la strategia di riferimento per gli artisti”, ha affermato Lacy. “La protesta è una strategia importante, ma ci sono anche altri modi per cambiare”.

Una tendenza crescente nella pratica sociale, ha affermato Lacy, è stata il passaggio a progetti artistici volti a influenzare le politiche pubbliche, una strategia poco discussa negli anni precedenti. A Manchester, ad esempio, le due mostre di Lacy fanno parte di un programma più lungo intitolato “What Kind of City? Un manuale per il cambiamento sociale”. L’iniziativa, guidata da Hudson e Lacy, mira a rispondere alla loro domanda: “Dopo Covid, che tipo di città possiamo costruire insieme?” Workshop pianificati su quattro temi – agenzia giovanile, confini, coesione sociale e prospettive di lavoro per le donne anziane – correlati ai temi delle mostre di Lacy. I residenti di Manchester utilizzeranno i progetti di Lacy sia come ispirazione che come risorse informative per parlare di come le condizioni sociali possono essere migliorate nelle loro comunità.

Per uno di questi progetti, “Uncertain Futures”, attualmente in mostra alla Manchester Art Gallery, Lacy e un team di ricercatori universitari hanno intervistato 115 donne locali di età superiore ai 50 anni, una fascia demografica che spesso fatica a farsi sentire. Tra le preoccupazioni che hanno sollevato c’erano le loro prospettive di lavoro dopo il Covid, le politiche pubbliche in materia di pensionamento e pensioni, migrazione, alloggio, disabilità e isolamento.

“Queste donne anziane sono spesso nella posizione di fornire assistenza, mentre loro stesse hanno bisogno di cure”, ha detto Lacy. In una riunione al vertice dal 23 al 26 marzo, il team di Lacy prevede di presentare i suoi risultati ai politici e ai responsabili politici locali.

Quando Lacy ha visitato il Queens Museum, nel 2020, è stata testimone del Cultural Food Pantry, che distribuisce pacchi alimentari a 500 famiglie a settimana. (L’iniziativa è iniziata nei primi mesi della pandemia.) Ha subito voluto essere coinvolta. “Dare cibo è così soddisfacente”, ha detto. “Il servizio diretto è molto importante per me. Viene dal mio background di classe operaia”.

Nella sua performance del 1982 “Freeze Frame: Room for Living Room”, uno spettacolo partecipativo messo in scena in uno showroom di mobili di lusso, diversi gruppi di donne, dalle prostitute alle donne disabili, agli ex pazienti psichiatrici e alle donne incinte, hanno discusso delle loro vite e dell’argomento di sopravvivenza in relazione alle loro identità spesso intersezionali. (L’intersezionalità non era nominata, ancor meno discussa, a quel tempo.)

L’artista “riattiverà” quel progetto installando mobili nel “soggiorno sommerso”, uno spazio pubblico nell’atrio del Queens Museum. Le volontarie della Cultural Food Pantry, tutte leader nelle loro comunità etnicamente diverse, prenderanno parte al progetto. Invece di invitarli a parlare tra loro come facevano i partecipanti nel 1982, Lacy chiede loro cosa vogliono imparare. Finora sono stati promossi corsi di formazione alla leadership e di lingua inglese, ma il progetto è ancora in fase di sviluppo.

Dalla prima grande retrospettiva di Lacy nel 2019 al San Francisco Museum of Modern Art e allo Yerba Buena Center for the Arts di San Francisco, si è trovata a lavorare all’interno dei musei come mai prima d’ora. Negli anni ’70 e ’80, ha ricordato, i musei semplicemente non erano interessati a sostenere il tipo di lavoro che svolgeva. “A metà della mia carriera, sono scesa in strada”, ha detto.

Anne Pasternak, direttrice del Brooklyn Museum, ha commissionato a Lacy nel 2013 uno di quei progetti, “Between the Door and the Street”, quando Pasternak era presidente e direttore creativo dell’organizzazione no profit di arte pubblica Creative Time. Il progetto ha visto centinaia di donne riunirsi sui gradini per parlare di immigrazione, lavoro e povertà e dell’impatto che questi problemi hanno avuto sulla vita delle donne.

Pasternak ha affermato che i musei ora non commissionano tali progetti solo ad artisti di pratica sociale “pionieristico” come Lacy, Tania Bruguera, Mel Chin e Mierle Laderman Ukeles; hanno iniziato a collezionarli e archiviarli anche loro.

Lacy accoglie favorevolmente questo nuovo contesto per il suo lavoro. “Ho bisogno di musei nella misura in cui voglio che il mio lavoro sia inserito nella storia dell’arte”, ha detto. “Pensavo che se il mio lavoro fosse stato scritto, se fosse documentato, anche se lo avessi semplicemente messo nei miei archivi, sarebbe sopravvissuto. E non credo che sia più così”. La capacità dei musei non solo di esporre ma di archiviare, conservare e contestualizzare il suo lavoro è diventata sempre più importante.

Per il suo progetto “Prostitution Notes” (1974-75), Lacy si è spostata per le strade della città, ristoranti e bar “seguendo” la vita delle prostitute. I disegni annotati che sono stati il ​​principale risultato fisico del progetto sono stati arrotolati nel garage di Lacy per tre decenni prima che li incorniciasse per la storica indagine sull’arte femminista “WACK!” nel 2007 al Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Il pezzo è poi entrato nella collezione del museo e sarà prestato per la sua mostra al Queens Museum.

Oggi i musei subiscono una forte pressione interna ed esterna per riformarsi. “La neutralità del museo è un mito”, afferma Hudson, un’opinione che sta diventando ampiamente accettata.

Attraverso decenni di lavoro instancabile – un lavoro che una volta era ritenuto inadatto per la mostra museale – artisti come Lacy stanno indicando una via da seguire affinché le istituzioni artistiche siano più coinvolte, più utili e abbandonino la facciata della neutralità. I musei, come l’arte di Lacy, possono essere contenitori di storie diverse e talvolta contrastanti.

Il mezzo non è l’unico messaggio

Fino al 14 agosto, Queens Museum, New York City Building, Flushing Meadows Corona Park, Queens ; 718-592-9700; queensmuseum.org.