Vuoi vedere nuove opere d’arte questo fine settimana? Inizia in TriBeCa con i meravigliosi dipinti di Ella Kruglyanskaya che vanno dal futuristico al goyaesque. Poi vai a Chelsea per le trasformazioni stilistiche di Wifredo Lam. E non perdetevi le fotografie vintage di Francesca Woodman e le nuove sculture di Radcliffe Bailey.
Recensito di recente
CENTRO
Ella Kruglyanskaya
Fino al 18 dicembre Bortolami, 39 Walker Street, Manhattan. 212-727-2050; bortolamigallery.com .
La mostra di nuovi dipinti di Ella Kruglyanskaya, “Keep Walking”, sembra una visita in studio – in senso positivo. Piuttosto che offrire una serie di dipinti legati per stile e soggetto, presenta diversi di entrambi e in diverse combinazioni. Il messaggio di fondo? “Ho delle opzioni, inclusi diversi modi di dipingere.”
Le familiari donne muscolose dell’artista in abiti attillati sono qui, trasudando un’energia erotizzata, a volte minacciosa che può essere allo stesso tempo cartoonesca e futuristica. Ma c’è molto altro. “Untitled (Last Flight)” ci mostra un gallo che rotola nello spazio: gambe, piume e pennellate sui fianchi. Si tuffa verso un orizzonte basso, apparentemente settecentesco; Mi vengono in mente le figure in volo di Goya, così come la sua manipolazione della vernice. Nelle vicinanze, “Good Intentions” contrasta con i colori accesi e le linee scarabocchiate fondamentali per lo stile figurativo dell’artista. Tranne che sono disposte liberamente in bande orizzontali separate, ognuna apparentemente applicata con uno dei cinque pennelli, che sono sorprendentemente resi lungo il bordo sinistro del dipinto nello stile spesso disprezzato dell’iperrealismo.
In due dipinti, il realismo è decisamente disturbato da pennellate pittoriche e titoli suggestivi. Un letto spiegazzato nei toni del marrone del paesaggio è intitolato “All Is Fair”, diventando il campo di battaglia dell’amore. “Beyond Good and Evil” raffigura un enorme fermaglio per capelli nero noto come fermaglio ad artiglio, che suggerisce uno strumento di tortura o una tarantola nera a guardia dei suoi piccoli. Il set di abilità ampliato di Kruglyanskaya è entusiasmante. Rimani sintonizzato. ROBERTA SMITH
CENTRO
Wifredo Lam
Fino al 21 dicembre. Pace, 510 West 25th Street, Manhattan. 212-421-3292; pacegallery.com .
Nato a Cuba da padre cinese e madre afrocubana, Wifredo Lam (1902-1982) è cresciuto attorno a religioni sincretiche del Nuovo Mondo come la Santería, ha studiato pittura a Madrid ed è stato amico della maggior parte delle figure più importanti dell’avanguardia parigina , tra cui Picasso, la cui collezione di maschere africane ha fatto una grande impressione. Dopo essere tornato, temporaneamente, a Cuba durante la seconda guerra mondiale, Lam arrivò a vedere la sua pratica come un “atto di decolonizzazione”. Come si presenta, nello spettacolo “The Imagination at Work”, è una linea di spiriti e dei che, sebbene riconoscibilmente simili al lavoro di altri pittori moderni, non hanno avuto il loro crepitio spirituale archiviato. Laddove Picasso ha preso in prestito stili africani per rappresentare figure europee, Lam ha preso in prestito tecniche europee per dipingere divinità africane.
Le opere in mostra, che comprende diversi piccoli bronzi, vanno dagli anni ’30 agli anni ’70. Ma i veri successi vengono dagli anni ’40 e ’50, in particolare una fila di “femmes chevals” di Lam, così chiamate per i loro volti equini e perché si dice che gli spiriti, in una cerimonia della Santería, “cavalchino” il posseduto. In un esempio senza titolo del 1955, una donna sabbiosa e nuda con una testa triangolare si erge su uno sfondo marrone intenso. La sua figura è affilata, con seni distinti e braccia sinuose; ma il modo in cui la sua criniera si sovrappone alla sua spalla, e il disegno pallido inciso sul suo ventre, la rendono leggermente irreale, come un miraggio ammaliante. Apparendo in una tela precedente, lo stesso personaggio è esile e grigio, come un corpo che precipita dall’aria. HEINRICH
UPTOWN
Francesca Boscaiolo
Fino al 23 dicembre. Marian Goodman Gallery, 24 West 57th Street, Manhattan. 212-977-7160; mariangoodman.com
Si potrebbe pensare che ormai il patrimonio artistico della fotografa Francesca Woodman, che nel 1981 si tolse la vita all’età di 22 anni, sarebbe completamente minato. Tuttavia, come indicato dal titolo dello show, “Francesca Woodman: Alternate Stories”, ci sono ancora nuove fotografie da rivelare e contronarrazioni a complicare il quadro generale della troppo breve carriera di Woodman.
Il che non vuol dire che le 21 stampe vintage inedite (prese dall’archivio della famiglia Woodman) incluse in questa mostra di 50 fotografie alterino fondamentalmente la nostra comprensione della sua realizzazione. Un surrealista dei giorni nostri, Woodman ha rintracciato il perturbante, trovandolo in prospettive estreme, posture contorte e pose teatrali. I set che ha scelto, specialmente durante i suoi giorni da studentessa alla Rhode Island School of Design, a Providence, assomigliano a case infestate, con vernice scrostata, assi del pavimento consumate e luce lattiginosa che scorre attraverso le tende vaporose.
A differenza del gruppo originale di surrealisti con sede a Parigi, per lo più uomini che glorificavano e patrocinavano le donne come portatrici di verità profonde che comunicavano con il primitivo e il naturale, Woodman ha esplorato la sessualità femminile dall’interno, usando il suo corpo nudo ancora e ancora per rendere immagini che fondevano il calore erotico con lo spostamento fisico e psicologico.
Una foto appena vista, scattata a Roma durante il suo primo anno all’estero, ritrae un’amica italiana china che tiene la mano di una donna, forse la stessa Francesca, che emerge da un foro rozzamente praticato nel muro. È una scena da favola senza alcun indizio per risolvere i suoi misteri. ARTHUR LUBOW
CENTRO
Radcliffe Bailey
Fino al 18 dicembre. Jack Shainman Gallery, 513 West 20th Street e 524 West 24th Street, Manhattan. 212-645-1701; jackshainman.com
Radcliffe Bailey, con sede ad Atlanta, ha a lungo estratto fotografie di famiglia e trovato materiali per raccontare le storie del sud e le eredità del Middle Passage. Il suo nuovo spettacolo, “Ascents and Echoes”, prende una piega astratta, ispirato in parte dai ritratti di dati dell’America nera di WEB Du Bois dall’Esposizione di Parigi del 1900.
Mentre Du Bois era alla ricerca di chiarezza scientifica per dimostrare gli effetti della schiavitù sugli afroamericani, le immagini di Bailey fondono la scienza con altre forme di credenza: “La mia arte riguarda la storia e il mistero della storia”, ha detto. “Scienziati, predicatori, imbroglioni, sono le mie muse”. In opere come “Slow Blues” e “Swept Away” (entrambi 2021) frecce, numeri e altre forme di notazione, molte delle quali sembrano alludere (sebbene non sempre chiaramente) alla storia del Middle Passage, contrastano espressionistiche e intuitive forme di marcatura.
“Nommo” è stato originariamente commissionato per la Biennale di Istanbul 2019. Composto da assi di legno che Bailey ha raccolto dai cantieri navali locali e modellato in una forma simile a uno scafo, guarda indietro alla tratta degli schiavi così come al futuro: la musica di Arkestra proviene da una radio a transistor, un’allusione al sito originale dell’installazione, dove gli afro -il futurista Sun Ra si era esibito una volta. Otto busti identici in gesso sostituiscono gli schiavi e i Nommo, spiriti ancestrali venerati dai Dogon, che a volte sono indicati come i Maestri dell’Acqua. Il risultato è una meditazione non solo sulla devastazione, ma su una capacità di sopravvivenza quasi soprannaturale. ARUNA D’SOUZA
Ultima possibilità
CENTRO
Sarah Charlesworth
Fino al 4 dicembre. Paula Cooper Gallery, 521 West 21st Street, Manhattan. 212-255-1105; paulacoopergallery.com .
Nei suoi primi lavori politicamente taglienti, l’artista concettuale americana Sarah Charlesworth (1947-2013) è stata una narratrice della storia con gli occhi equilibrati. Fotografando e modificando visivamente le prime pagine dei quotidiani, ha registrato ciò che stava accadendo nel mondo, ha esaminato come venivano fornite le informazioni e ha suggerito come noi, in quanto consumatori, le stavamo ricevendo.
In “Modern History”, l’avvincente mini-indagine di Paula Cooper sul lavoro dagli anni ’70 predigitali ai primi anni ’90, vediamo alcune delle strategie di editing di Charlesworth. “Historical Materialism: Chile Series (for OL)” del 1977, documenta gli eventi in Cile, dall’elezione del militante di sinistra Salvador Allende al colpo di stato militare di Augusto Pinochet, attraverso le prime pagine del New York Times, dove la storia cambia posizione e, di conseguenza, importanza. In “Movie-Television-News-History, 21 giugno 1979”, Charlesworth si concentra sull’assassinio del corrispondente televisivo della ABC Bill Stewart da parte di un soldato nicaraguense isolando un’immagine oscura da un video dell’omicidio apparso sui giornali americani. Guardare la serie in sequenza ci trasforma in guardoni del porno violento.
E “Herald Tribune, 18 gennaio-28 febbraio 1991” ristampa la prima pagina di un giornale, come appariva ogni giorno durante la fase “Tempesta nel deserto” della guerra del Golfo. Charlesworth cancella tutto il testo, lasciando solo immagini di personaggi politici, soldati non identificati e pile di armi. Senza didascalie, ci rimane un’immagine estetizzata di uomini che giocano alla guerra.
Se visti come previsto – lentamente, in sequenza – i primi lavori di Charlesworth sono una delle arti politiche più forti e sottili del suo tempo. OLANDA COTTER
Fino al 4 dicembre. Greene Naftali, 508 West 26th Street, Manhattan. 212-463-7770; greenenaftaligallery.com.
Steffani Jemison, artista di Brooklyn alla facoltà della Rutgers University, ha una fantastica mostra personale a Greene Naftali.
Un nuovo video intitolato “In Succession” fornisce una serie di primi piani che riempiono le pareti di quattro uomini che praticano una sorta di routine umana piramidale, arrampicandosi e bilanciandosi l’uno sull’altro. Un’altra proiezione, intitolata “Escaped Lunatic” (2011), mostra uomini che corrono e cadono per le strade urbane. In “Broken Fall (Organic),” un pezzo del 2008 presentato su un monitor, un giovane è appeso per le braccia a un ramo di un albero fino a quando la sua presa alla fine cede.
Tutto questo dovrebbe sembrare gioioso, forse anche comico, e forse lo sarebbe, se questo non fosse il 2021 e quegli uomini non fossero afroamericani. Dato quello che sappiamo delle vite degli uomini di colore, un braccio appeso senza fine può avere un soffio di annebbiamento o addirittura tortura, come se il giovane di Jemison venisse messo alla prova piuttosto che mettere alla prova se stesso. Correre e ruzzolare evoca inevitabilmente l’evitamento e la fuga. Gli uomini che si arrampicano e si afferrano ci fanno pensare alla lotta piuttosto che al gioco. (Sebbene “In Succession” sia in realtà un riff su un rapporto del New York Times del 1931, di uomini neri che formarono una piramide umana per salvare una donna bianca da un incendio, poi se ne andarono senza prendersi il merito per il loro atto.)
Il fatto che questi video siano di una donna di colore fa sembrare lo spettacolo di Jemison un’indagine sullo stato e il destino della virilità nera, da parte di qualcuno che lo conosce in prima persona ma può anche vederlo da lontano, attraverso il divario di genere. BLAKE GOPNIK
CENTRO
Ruth Orkin
Fino al 5 dicembre. Fotografiska, 281 Park Avenue South, Manhattan. 212-433-3686; fotografiska.com/nyc
Il film più famoso di Ruth Orkin è andato in scena a Firenze. Imparando da un giovane studente americano come gli uomini italiani guardavano e chiamavano le donne, Orkin l’ha posata in un ambiente pittoresco ma un po’ squallido, guardando dritto davanti a sé con un’espressione a disagio mentre passava davanti a un gruppo di passanti maschi. Scattata nel 1951, l’immagine offre una replica femminista a una celebre immagine di Richard Avedon realizzata quattro anni prima, di una modella Dior in piedi nella decorosa Place de la Concorde di Parigi, mentre tre giovani uomini riconoscenti ma rispettosi passano a grandi passi.
In occasione del centenario della nascita di Orkin, “Expressions of Life” documenta il successo di una fotografa pionieristica che, con il marito, Morris Engel, ha anche realizzato un film affascinante, “Little Fugitive”, che prefigurava la New Wave francese. (Una monografia appena pubblicata, Ruth Orkin: A Photo Spirit , offre una panoramica più completa del suo lavoro.)
Orkin ha fotografato celebrità, giovani innamorati, compagni di New York e abitanti del nuovo stato di Israele. Ma dove eccelleva davvero era nei suoi scatti di bambini. In effetti, solo Helen Levitt la rivaleggia in quella categoria. Questa mostra presenta una deliziosa sequenza, sempre del 1952, di tre bambini che giocano a carte, che era l’unico gruppo fotografico nella storica mostra “Family of Man” al Museum of Modern Art nel 1955.
Nei suoi migliori ritratti, Orkin ha catturato il bambino anche negli adulti. Insieme a una famosa foto di un Albert Einstein sghignazzante, non perdetevi una meravigliosa vista del fotografo Robert Capa che rivela il suo irresistibile fascino fanciullesco. ARTHUR LUBOW
CENTRO
Roy Ferdinand
Fino al 4 dicembre. Andrew Edlin Gallery, 212 Bowery, Manhattan. 212-206-9723; edlingallery.com .
La cosa davvero sorprendente, però, è la padronanza dei dettagli di Ferdinando. Era un autodidatta, come puoi vedere nell’inclinazione che mostrano molti dei suoi disegni e in una predilezione un po’ ossessiva per le persiane, l’assicella e altre scuse simili per le linee parallele. Ma un disegno indimenticabile, poco più di 2 piedi per 3 piedi, contiene una dozzina di personaggi umani vividamente realizzati, quattro dei quali giacciono morti per ferite da arma da fuoco e due, in uniformi carcerarie, che si intrufolano attraverso un tetto. C’è un’uniformità nei volti: la maggior parte di loro ha un’espressione di distacco rassegnato, se non di intorpidimento traumatizzato, sia che stiano sparando a qualcuno o che vengano sparati a loro stessi. Ma c’è anche una straordinaria variazione nei loro dettagli, una spiccata individualità nei suoi soggetti che rende il loro comune fatalismo ancora più snervante. HEINRICH
CENTRO
Mitchell Charbonneau
Fino al 7 dicembre. Off Paradise, 120 Walker Street, Manhattan. 212-388-9010; offparadise.com .
Le sedie pieghevoli in metallo angoscianti con una mazza sono un gioco da ragazzi e Mitchell Charbonneau , la cui prima mostra con questa galleria include più di una dozzina di tali esempi di mobili abusati, ha solo 27 anni. Ma le sedie, che sono sorprendentemente espressive se raggruppate in coppia , come gli amanti, o le torri misteriose, sono effettivamente fusi, con precisione, in resina prima di essere dipinti in tenui toni da ufficio di beige, nero o verde. Alcuni deodoranti trompe-l’oeil Little Trees, fusi in bronzo ma dipinti per sembrare appena rubati da un taxi, aggiungono un accento divertente a un debutto promettente. Scendendo al piano di sotto, fermati al terzo piano, dove Brittni Ann Harvey sta mostrando affascinanti collage e intriganti sculture nella nuovissima galleria Someday. HEINRICH
Altro da vedere
CENTRO
“Georg Baselitz: stampe degli anni ’60”
Fino al 22 dicembre. Luhring Augustine TriBeCa, 17 White Street, Manhattan. 646-960-7540; luhringaugustine.com .
Hilma af Klint è tornata a New York. Potresti pensare che la pittrice mistica svedese, poco conosciuta durante la sua vita (è morta nel 1944) avrebbe avuto poco da dire dopo la sua popolarissima retrospettiva Guggenheim nel 2018 . Gli acquerelli in “Tree of Knowledge” di David Zwirner, tuttavia, sono rivelatori e sublimi.
La mostra comprende otto opere a orientamento verticale realizzate con acquarello, tempera, grafite e inchiostro su carta. Laddove lo spettacolo Guggenheim ti ha fatto esplodere con concetti epici, a partire da ” Dipinti per il tempio ” di Af Klint , questa serie è più terrestre. Pieni di viticci e uccelli a spirale, deliziosi pastelli e simboli apparentemente significativi, evocano manoscritti miniati medievali, miniature persiane e illustrazioni scientifiche.
Perché amiamo così tanto Af Klint e perché è stata trascurata durante la sua vita? Oltre al sessismo del mondo dell’arte del primo Novecento, nascondeva consapevolmente le sue opere. Tuttavia, ha beneficiato dell’ascesa della tecnologia digitale e della cultura della rete. Quando il suo lavoro è stato mostrato per la prima volta in questo paese negli anni ’80, il critico d’arte Hilton Kramer ha liquidato i suoi dipinti come “diagrammi colorati”. Ora amiamo i diagrammi e gli artisti che li realizzano, come Mark Lombardi .
L'”Albero della conoscenza” di Af Klint combina elementi del cristianesimo, dell’induismo, del folklore norreno e della sua amata teosofia. Le opere funzionano come ampi diagrammi: portali aperti che suggeriscono significati cosmici e spirituali. Il suo lavoro rimane concettualmente abbastanza aperto affinché gli spettatori possano trarre le proprie conclusioni, inserire il proprio significato e sentirsi trasportati in altri mondi gloriosi. MARTHA SCHWENDENER
CENTRO
Simone Nolan
Fino al 18 dicembre. 47 Canal, 291 Grand Street, Manhattan. 646-415-7712; 47canal.us.
Le immagini del quarto assolo di Nolan Simon al 47 Canal iniziano come fotografie, trovate e messe in scena, che Simon intreccia insieme in Photoshop. Stampandole su tela prima di ripassarle ad olio, arriva a immagini che fluttuano magicamente tra fotografia e pittura, con colori saturi, finiture dall’aspetto appiccicoso e figure sorprendentemente precise. Non ti fanno galleggiare fino in fondo nel regno slegato dell’immaginazione, ma ti sollevano i piedi da terra.
Scene cariche di sottotesto misterioso amplificano questo effetto. Due uomini con barbe stravaganti leccano un uovo nero conservato che sembra un sex toy; quattro mani mungono una coppia di capre in tre calici di vetro. A volte la vernice serve ad esaltare un dettaglio ben osservato, come il bagliore argenteo di una caffettiera sul piano cottura o la tensione di quelle mani che mungono, e a volte Simon si limita a lasciarlo ornamentale, come quando le barbe dei leccauova scendono in una cascata di linee grigie ondulate. I panorami spesso non sembrano più profondi di uno scaffale poco profondo; due pezzi hanno anche cornici in legno trompe l’oeil.
La cosa meravigliosa di tutto questo è che tratta l’ambiguità del mezzo – immagini visive, potresti chiamarlo ora, piuttosto che solo fotografia o pittura – come una capacità tecnica piuttosto che un enigma filosofico. Non so perché l’artista abbia chiamato la sua mostra “Polyamory”, ma per me allude sia alla carica erotica dell’opera che a questa ambiguità. Suggerisce che qualcosa di sexy sta accadendo in più di una direzione. HEINRICH
REGINE
Diane Severin Nguyen
Fino al 13 dicembre. SculptureCenter, 44-19 Purves Street, Long Island City, Queens. 718-361-1750; centro-scultura.org .
In questi giorni, i legami del K-pop con il capitalismo globale sono difficili da perdere. (Prendi il menu di McDonald’s, che offre un pasto Chicken McNugget approvato dalla boy band coreana BTS.) Ma l’artista americana Diane Severin Nguyen usa il K-pop per guardare a qualcosa di diverso: l’impatto dell’immigrazione e dello scambio culturale tra paesi con un passato comunista .
Il lavoro principale della mostra, un video intitolato “If Revolution Is a Sickness”, ha come protagonista un protagonista vietnamita-polacco di nome Weronika, che vive a Varsavia e alla fine si unisce a una troupe di danza locale ispirata a gruppi di idol coreani. Mentre si muovono e sincronizzano le labbra con una canzone sulla rivoluzione, Nguyen costruisce un caso che il K-pop ha molto in comune con il socialismo sovietico. Il che forse non è inverosimile: le star del genere spesso vivono in comune ed eseguono atti coreografici. Ingaggiando la sua attrice protagonista alla ricerca di un’attrice polacca che condividesse il suo cognome, Nguyen ha cercato un doppelgänger da un mondo alternativo post-guerra fredda. Se i tuoi genitori immigrati sono venuti a pochi centimetri dal trasferirsi completamente altrove, questo gioco di “cosa succede se” ti sembra familiare.
In una stanza sul retro dello SculptureCenter, le foto di Nguyen – fiamme, capelli intrecciati e sostanze appiccicose irriconoscibili riprese in primo piano – riecheggiano artisti femministi più anziani che hanno esplorato l’abiezione e la vergogna fisica. In tutto, Nguyen fonde il melodramma cinematografico con l’atmosfera nostrana dei social media: l’inspiegabile svogliatezza dei vlogger; video di reazione girati in camere da letto e piazze pubbliche. Se ti piacciono le emozioni non filtrate e gli spigoli vivi dell’attuale panorama dei media, allora l’ultimo lavoro di Nguyen ti piacerà. CANALE DELL’ALBA
CENTRO
Reza e Mamali Shafahi
Fino al 19 dicembre. Situazioni, 127 Henry Street, Manhattan; situazioni.us . Club Rabarbaro, Manhattan; aperto su appuntamento: ronlittles@hotmail.com.
È un dato di fatto che i genitori formino l’identità dei loro figli, ma se sei come me, potresti non aver pensato molto all’influenza che tu, da bambino, hai avuto su di loro. Una mostra in due sedi del duo padre e figlio Reza e Mamali Shafahi, intitolata ironicamente “Daddy Sperm”, ci spinge a pensare allo scambio familiare e artistico e a come fluisce in molteplici direzioni.
Gli Shafahi hanno iniziato a collaborare nel 2012. Reza era un wrestler professionista in pensione in Iran con disturbo ossessivo compulsivo e abitudine al gioco d’azzardo. Mamali , un artista professionista che vive in Francia e in Iran, ha spinto suo padre a provare a disegnare e l’idea ha preso piede: fare arte è diventata una ricca forma di espressione per Reza. Mamali decise quindi di interpretare i disegni del padre trasformandoli in rilievi scultorei.
A Situations, i nuovi dipinti su carta di Reza si divertono a mescolare sacro e profano. I riferimenti alla cultura americana e iraniana sono inclusi in un mondo onirico psicosessuale dai colori vivaci in cui le persone hanno più appendici e le foglie degli alberi hanno volti umani. I primi disegni di Reza al Club Rhubarb sono più sommessi, creando una controparte flessibile per i rilievi di suo figlio. Le opere, da una serie intitolata “Heirloom Velvet”, sono tecnicamente più sofisticate ma anche più sgargianti: Mamali usa floccature monocromatiche per accentuare la stranezza dell’immaginario di suo padre.
Guardando le due serie di lavori insieme, non c’è sensazione di confronto o competizione, solo una conversazione intergenerazionale che è ugualmente affascinante e bizzarra. JILLIAN STEINHAUER
UPTOWN
Genieve Figgis
Fino all’11 dicembre. Almine Rech, 39 East 78th Street, Manhattan. 212-804-8496; alminerech.com .
Dimentica la recente raffica di programmi televisivi e film sulla famiglia reale britannica. Tutto ciò di cui ho bisogno in fatto di aristocratici sono i dipinti dell’artista irlandese Genieve Figgis. I reali non sono gli unici soggetti dei dipinti decadentemente macabri di Figgis in ” Immortal Reflection” – il titolo si riferisce in realtà al genere francese del 18° secolo di romanzi libertini. Anche gli aristocratici e altre persone fantasiose sono ben rappresentati in questo spettacolo.
Le figure nei dipinti di Figgis – e in particolare i tratti del viso – sono disegnate con crudezza Art Brut, evidenziando la loro assurdità e ridicolo. Ciò è amplificato dalla tecnica bagnato su bagnato di Figgis con pittura acrilica, che fa sembrare le sezioni delle sue tele come carta fiorentina, con motivi vorticosi, o intonaco incrostato e butterato. Le ragazze in “Queens” (2021) sono parrucche e vestite con abiti svolazzanti, mentre “Victorian People” (2021) ritrae una galleria tragicomica di canaglie che ricorda anche una meravigliosa griglia di caricature disegnate dall’artista newyorkese Robin Winters intitolata ” Conoscenze metropolitane ” , del 1974.
I dipinti di Figgis evocano artisti come Francisco Goya , Karen Kilimnik e Sofia Coppola , che si sono anche concentrati su sfortunati reali europei, o le feroci critiche sociali del pittore simbolista belga James Ensor , l’artista britannico contemporaneo David Shrigley e la serie televisiva “South Park .” Perché preoccuparsi di mettere in mostra gli aristocratici? Perché sono personaggi estremi, dotati di un privilegio straordinario ma, soprattutto negli ultimi decenni, sottoposti a un attento esame. Con la loro vasta gamma di pathos e riferibilità, sono esemplari perfetti per la pittura figurativa e, nelle mani di Figgis, per commentare la condizione umana in generale. MARTHA SCHWENDENER
UPTOWN
Genieve Figgis
Fino all’11 dicembre. Almine Rech, 39 East 78th Street, Manhattan. 212-804-8496; alminerech.com .
Dimentica la recente raffica di programmi televisivi e film sulla famiglia reale britannica. Tutto ciò di cui ho bisogno in fatto di aristocratici sono i dipinti dell’artista irlandese Genieve Figgis. I reali non sono gli unici soggetti dei dipinti decadentemente macabri di Figgis in ” Immortal Reflection” – il titolo si riferisce in realtà al genere francese del 18° secolo di romanzi libertini. Anche gli aristocratici e altre persone fantasiose sono ben rappresentati in questo spettacolo.
Le figure nei dipinti di Figgis – e in particolare i tratti del viso – sono disegnate con crudezza Art Brut, evidenziando la loro assurdità e ridicolo. Ciò è amplificato dalla tecnica bagnato su bagnato di Figgis con pittura acrilica, che fa sembrare le sezioni delle sue tele come carta fiorentina, con motivi vorticosi, o intonaco incrostato e butterato. Le ragazze in “Queens” (2021) sono parrucche e vestite con abiti svolazzanti, mentre “Victorian People” (2021) ritrae una galleria tragicomica di canaglie che ricorda anche una meravigliosa griglia di caricature disegnate dall’artista newyorkese Robin Winters intitolata ” Conoscenze metropolitane ” , del 1974.
I dipinti di Figgis evocano artisti come Francisco Goya , Karen Kilimnik e Sofia Coppola , che si sono anche concentrati su sfortunati reali europei, o le feroci critiche sociali del pittore simbolista belga James Ensor , l’artista britannico contemporaneo David Shrigley e la serie televisiva “South Park .” Perché preoccuparsi di mettere in mostra gli aristocratici? Perché sono personaggi estremi, dotati di un privilegio straordinario ma, soprattutto negli ultimi decenni, sottoposti a un attento esame. Con la loro vasta gamma di pathos e riferibilità, sono esemplari perfetti per la pittura figurativa e, nelle mani di Figgis, per commentare la condizione umana in generale. MARTHA SCHWENDENER
CENTRO
Ron Gorchov
Fino al 18 dicembre. Cheim & Read, 547 West 25th Street, Manhattan. 212-242-7727; cheimread.com .
“The Last Paintings, 2017-2020”, una mostra di opere di Ron Gorchov, morto l’anno scorso a Brooklyn all’età di 90 anni, ci permette di considerare non solo i suoi ultimi anni, ma il ciclo di vita della pittura stessa.
Si sfalda dai suoi quadri a forma di sella, come i rivestimenti delle pareti che si staccano dopo anni sotto la pioggia e la neve. La pittura scorre ai bordi di ogni opera dopo aver percorso la lunghezza di una tela: i segni dell’artista di un rendering finale naturale.
Forme astratte (di solito due e di solito su lati opposti) interagiscono all’interno di un campo colorato, come se fossero in un eterno viaggio l’uno verso l’altro. I colori sono semplici, piacevoli, mai più di tre in ciascuno degli 11 quadri. Le superfici sbiadite sembrano indicare una finitura che non è tanto perfezione quanto più resistenza.
Ci sono altri segni di imperfezioni intenzionali: in “Close Call”, la pittura dallo sfondo gocciola nei confini delle forme in primo piano, interrompendo quella che sarebbe stata la stratificazione prevista. In alcuni degli altri dipinti non è necessario guardare troppo da vicino per notare irregolarità: sulla tela sono ancora visibili i contorni delle forme precedenti.
Sebbene ogni dipinto abbia un aspetto minimale, tutto è presente e tutto rimane: è come se ogni opera avesse accumulato il proprio decadimento dopo l’invecchiamento e l’avesse riciclata per diventare di nuovo parte dell’immagine. È così che, raccogliendo e abbracciando ciò che sembra rotto e traballante, Gorchov è in grado di resistere allo sbiadimento. YINKA ELUJOBA
CENTRO
Milford Graves
Fino all’8 gennaio. Artists Space, 11 Cortlandt Alley, Manhattan. 212-226-3970; artistspace.org .
Milford Graves era un percussionista che trattava la batteria come qualcosa di più espansivo che semplicemente stabilire un ritmo o un tempo. Graves, morto quest’anno, era anche botanico ed erborista, professore al Bennington College, tecnico cardiaco, artista visivo. Le percussioni si sono connesse con il battito del cuore umano e l’energia che scorre attraverso le piante, e si sono fatte strada negli oggetti d’arte, come puoi vedere in ” Frequenza fondamentale” all’Artists Space , facilmente uno dei migliori spettacoli in città in questo momento.
Le sculture, gli assemblaggi e i disegni diagrammatici di Graves sono i più accattivanti dal punto di vista visivo. La sua “Yara Training Bag”, del 1990 circa, incorpora guantoni da boxe dipinti, sacchi da boxe, una spada da samurai e un modello di agopuntura – elementi di Yara, la forma di arte marziale inventata da Graves. Altre sculture includono gong, sculture tribali, diagrammi medici e astronomici, video e stampe delle letture dell’elettrocardiogramma.