L’immagine, inclusa nella mostra ” Acquatinta: dalle origini a Goya “, utilizza tecniche di incisione e acquatinta, ma deve la sua drammaticità a quest’ultima, che produce aree di tono piuttosto che linee. Puoi vedere l’acquatinta nel paesaggio che si allontana in lontananza in sfumature di marrone sbiadite – o nel primo piano fangoso che ondeggia verso i suoi piedi come una nebbia presagita. Le sue vesti, rappresentate con ombre contrastanti, pesano su di lei, mentre il suo petto bianco sporco appare in netto contrasto, come se fosse prosciugato di colore e aria. In fondo alla pagina, una didascalia recita: “Mi sembra di essere senza fiato”.
Resa popolare in Europa nel 1700, l’acquatinta, che prende il nome dalla somiglianza con l’acquerello, ha introdotto nuove trame nella stampa. (Funziona esponendo una lastra di rame all’acido attraverso uno strato di resina granulare, lasciando una superficie uniformemente snocciolata che crea un’ampia gamma di toni nella stampa finita.) Le nuvole appaiono luminescenti e acquose; il fumo si diffonde sulla pagina, spettrale e gassoso; l’acqua appare fluida e dinamica. Francisco Goya, l’artista più famoso associato alla tecnica, ha abbracciato il potenziale inquietante dell’acquatinta per creare immagini strazianti che hanno trafitto la politica e la società nelle sue serie “Los Caprichos” e “Disasters of War”.
L’ascesa di Aquatint forse non è molto diversa da qualsiasi innovazione moderna nella creazione di immagini. Alcuni dicono che la televisione a colori ha ridotto la distanza psicologica tra lo spettatore e gli eventi sullo schermo. E a TikTok, un’app social piena di video ambient in forma breve abbinati alla musica, è stata attribuita una rinnovata sensibilità alle “vibrazioni” o all’energia emotiva di un luogo.
Uno sguardo alla misteriosa “Tomba con la morte in piedi” di Louis-Jean Desprez (1779/1784), che mostra il fumo che sale da un altare, o all’accogliente “Autoritratto con un piede ferito” di Joseph Fischer del 1798, che raffigura l’artista che legge in l’oscurità e puoi vedere come l’acquatinta cattura non solo il “cosa” di un luogo, ma la sua sensazione. Con una trama granulosa e un’ombra ricca, l’acquatinta è in sintonia con l’atmosfera, adatta per rappresentare la luce della luna che danza su un mare calmo o una fiamma tremolante in un interno claustrofobico.
Al giorno d’oggi, quando puoi acquistare calzini “Starry Night” e magliette “Great Wave”, è difficile immaginare un tempo in cui l’arte non possa essere facilmente riprodotta. Ma parte dell’entusiasmo attorno all’acquatinta era che poteva imitare le qualità di altri mezzi artistici: pennellate pittoriche, tenui toni di inchiostro, acquerelli fluidi. Rispetto alle tecniche di incisione più antiche, che si basavano sulle linee e creavano immagini con un aspetto più meccanico, le stampe con acquatinta appaiono libere dalla macchina, più vicine alla mano dell’artista.
Espressivo come la pittura, ma riproducibile come una xilografia, il processo dell’acquatinta fu perfezionato negli anni ’60 del Settecento da Jean-Baptiste Le Prince – la prima “celebrità dell’acquatinta”, secondo il testo del muro – che cercò di mantenere segreti i suoi metodi. È stato vano.
Quando l’acquatinta si diffuse in Europa, trovò usi pragmatici. Nello spettacolo c’è una pubblicità in catalogo per un caminetto; opere di collezionisti d’arte che lo utilizzavano per documentare i propri oggetti; e stampe di artisti che lo usavano per studiare altri artisti. In un certo senso, ciò che è in mostra sono fissazioni del 18° secolo, le immagini che la gente voleva moltiplicare: un pesante aiuto di immagini neoclassiche; copie di Antichi Maestri; scene popolari russe di Le Prince; e il vulcano occasionale – che potrebbe essere reso con maggiore precisione scientifica attraverso l’acquatinta.
Quando l’acquatinta si diffuse in Europa, trovò usi pragmatici. Nello spettacolo c’è una pubblicità in catalogo per un caminetto; opere di collezionisti d’arte che lo utilizzavano per documentare i propri oggetti; e stampe di artisti che lo usavano per studiare altri artisti. In un certo senso, ciò che è in mostra sono fissazioni del 18° secolo, le immagini che la gente voleva moltiplicare: un pesante aiuto di immagini neoclassiche; copie di Antichi Maestri; scene popolari russe di Le Prince; e il vulcano occasionale – che potrebbe essere reso con maggiore precisione scientifica attraverso l’acquatinta.
Ma l’acquatinta ha fatto molto di più che replicare il passato. Il mezzo sembra quasi prevenuto verso l’oscurità e, alla fine, l’oscurità del presente è diventata il suo soggetto più avvincente.
Nel 1797 Giovanni De Pian fu incaricato dal governo veneziano di realizzare stampe che riflettessero la decrepita e disumana condizione delle carceri. Mostrano figure di dimensioni esagerate, ammassate in piccole celle sotterranee, le cui pareti inumidite sembrano premere da tutti i lati. Qui, la trama scura e torbida del mezzo appare come una visione ristretta ai bordi della vista.
Francisco Goya, pittore di lunga data della corte spagnola, avrebbe sicuramente potuto adottare il procedimento dell’acquatinta per le stesse ragioni che avevano fatto alcuni artisti precedenti: come espressione di abilità tecnica. Invece, ha creato scene surreali, quasi sconfinate, che criticavano i politici, la guerra e la disuguaglianza.
In “ Nada ” (1810/1820), della serie “I disastri della guerra”, una figura scheletrica giace, semisepolta, come se lottasse per sollevarsi dalla tomba. Le sue labbra bianche e gli occhi neri sono pieni di dolore: il suo busto è sfocato e macchiato, come se fosse illuminato dai fari, appena fuori dall’inquadratura. “ E ancora non vanno! ” (1799) mostra un uomo singolo ed emaciato che si sforza di impedire a un muro di crollare sulle figure maciute e magre ai suoi piedi. In alto, un grigiore incombe nel cielo, pronto a scendere con incrollabile finalità.
Come ogni nuova tecnologia, l’acquatinta, nei suoi primi giorni, ha abbracciato un idealismo, che si trova nelle stampe raffiguranti fantasie dell’antichità classica. Ma Goya e De Pian si sono spinti oltre, facendo luce sulle ingiustizie nascoste alla vista del pubblico – e spesso alla mente cosciente – con un nichilismo rosicchiante. I loro sudditi erano gli emarginati ei depravati. Paradossalmente, poiché tende all’oscurità, l’acquatinta, per loro, ha il potere di portare alla luce le verità più cupe della realtà.
At the National Gallery, a history of aquatint, from neoclassical fantasy to the horrors of war