Il lavoro di Saville abbraccia tecniche di tutti i secoli, fondendo il realismo degli stili pittorici tradizionali con l’astrazione espressionista, mentre getta il proprio sguardo su soggetti a lungo ritratti da pittori maschili: il nudo, la madre fertile, il volto femminile.

Il suo lavoro riflette le grandi ambizioni dei maestri del Rinascimento, ma contro i loro nudi sensuali e divini, Saville presenta immagini di donne carnose e terrene, a volte con la pelle ammaccata o lacerata – non il corpo bello, ma il corpo sofferente, ansioso e impermanente.

Quelle tele senza paura hanno acceso la sua carriera negli anni ’90 e hanno stabilito il suo posto come pioniere della rinnovata rilevanza della pittura figurativa. Nel 2018, quando “Propped”, un autoritratto nudo e ribollente, è stato messo in vendita da Sotheby’s, ha raggiunto $ 12,4 milioni , un’asta alta per un’opera di un’artista donna vivente.

Sergio Risaliti, curatore della mostra di Firenze e direttore del Museo Novecento , uno dei musei partecipanti, ha affermato che la città era “la culla della cultura rinascimentale”, ma quella era “una cultura dominata dagli uomini”. Ora, ha aggiunto, Florence stava “ricevendo una grande artista femminile su un piano di parità”.

“Il Rinascimento ha rappresentato l’avanguardia e con Jenny stiamo inviando un messaggio sull’importanza dell’avanguardia oggi”, ha affermato.

In una pausa dalla supervisione dell’installazione della mostra a fine settembre, Saville ha parlato in un’intervista ad ampio raggio delle sue influenze e aspirazioni, e della sua vita come pittrice e madre. La conversazione è stata modificata per lunghezza e chiarezza.

Come ci si sente a vedere le proprie opere fianco a fianco con capolavori rinascimentali?

L’Italia è un paese della figurazione, quindi mi sento molto a casa qui, ma è stato intimidatorio. L’ho superato guardando davvero Michelangelo: stavo facendo gli allestimenti della Pietà per il mio pezzo, ma non riuscivo a capire perché il mio non avesse il suo livello di potenza. Poi ho iniziato a fare studi diretti sulla scultura, e ho visto come funzionava la coppia interna dei corpi.

Proprio attraverso la spina dorsale del lavoro, c’è questa incredibile svolta, che ha in tutto ciò che fa. Poi usa tutti gli elementi possibili di un corpo, che sia l’inclinazione della testa, il modo in cui una mano poggia sulla carne di qualcun altro, il modo in cui il materiale si piega: tutti sono usati per aumentare le emozioni, senza sentimentalismi.

Ma oltre ai vecchi maestri come Michelangelo, hai anche influenze moderne.

Guardo artisti come Twombly, Pollock, Rothko e de Kooning – tutta la scuola di New York che usava la pittura come linguaggio poetico in sé – e cerco di incanalare alcune di queste cose nel lavoro figurativo. Adoro iniziare col gocciolare molto acrilico, e tu vedi attraverso le gocce, così ottieni questo tipo di luce interiore. Penso sempre a come usare questo linguaggio pittorico per ottenere quante più emozioni possibile.

La vulnerabilità del corpo è un tema su cui sei tornato più e più volte.

Sì, non ne ho paura, non ne ho mai avuto veramente paura. Lo trovo molto potente. Siamo sempre consapevoli della morte. Questa è la nostra unica certezza nella vita: non sappiamo quali svolte e svolte ci porteranno i nostri viaggi, ma la certezza è che moriremo. Quindi lavoro sempre con questo in mente.

Eppure, quando la pandemia ci stava facendo affrontare tutti quanto siamo vulnerabili alla morte, stavi realizzando dipinti davvero colorati, alcuni dei quali sono inclusi in questa mostra qui a Firenze.

Sì, stavo usando il colore come mai prima d’ora. Penso che sia stata una sorta di resistenza alla malattia. Ho solo pensato: “Mio Dio, le persone che amo potrebbero morire”. Ho solo lavorato più duramente e più velocemente, quasi come una specie di mania. Stavo segnando con questo tipo di urgenza perché pensavo: “Cosa accadrà al mondo dell’arte? Che ne sarà di tutti?”

All’inizio della tua carriera, dipingi molti di questi corpi massicci e obesi, che per molti versi ricordavano la carne. Ma il tuo lavoro recente è pieno di questi ritratti di volti enormi e sorprendentemente belli.

L’ho sempre fatto, in realtà. La gente pensa sempre che dipingo questi corpi molto grassi – erano quelli che i collezionisti perseguivano più di altri e hanno ottenuto più visibilità sui media – ma se guardi effettivamente il mio lavoro, non è così evidente. Anche quando mi sono laureata e ho avuto “Propped” nella mia mostra di laurea, avevo anche un dipinto della testa enorme di una sposa.

Amo fare le grandi teste perché è un’occasione per essere molto astratti. Nel momento in cui metto gli occhi su qualcosa, sembra che il mondo si unisca nel dipinto, perché gli umani sono solo attratti dagli occhi. La maggior parte degli artisti inizia con una struttura figurativa e poi astratta da lì, ma io inizio creando aree astratte di pittura come base, quindi costruisco sopra la figurazione e lascio che l’astrazione traspaia in alcuni punti – nello stesso modo in cui Michelangelo costruiva una forma da marmo grezzo.

Gli occhi sono straordinariamente potenti nei tuoi dipinti, anche in “Rosetta II”, il dipinto del 2005-6 di una giovane donna cieca di Napoli. I suoi occhi ciechi hanno così tanta espressione per loro.

Ho dovuto lavorare ancora di più su quegli occhi, perché dovevano parlare davvero. Rosetta aveva questa incredibile bellezza interiore che non avevo mai visto prima, e volevo cercare di onorarla nel lavoro. Aveva questa forza, perché sapeva che tutti la fissavano, quindi volevo entrare in quello spazio.

Hai indagato con i tuoi occhi il nudo femminile e poi, con la nascita dei tuoi due figli, hai esplorato un altro tema della pittura classica: la maternità, ma rappresentata da un artista che l’ha vissuta davvero.

Ho passato la mia vita a dipingere carne, e poi all’improvviso mi sono fatta carne nel mio corpo. È molto profondo. E il parto è stato come un dipinto di Francis Bacon, sai.

Tutte queste cose davvero toccanti mi stavano accadendo e, allo stesso tempo, ho assunto la categorizzazione sociale di “madre”, quando avevo passato la mia vita cercando di essere presa sul serio come pittrice. Ho discusso con me stessa sull’opportunità di rivelare la maternità come argomento del mio lavoro. E poi ho pensato: “Perché non dovrei farlo? Lo faccio per ogni altro argomento. Perché dovrei sentirmi esitante? È perché penso che potrebbe influenzare la mia carriera?”